Reseña Gombrich – Historia del Arte: capítulos 23 y 24 – Rodrigo Runco

CAP 23 LA ERA DE LA RAZON

A finales de 1700 la diferenciación entre barroco romano (católico) y el modelo de arte inglés con principios basados en el protestantismo estaban bien marcadas. El arte protestante, mas específicamente las construcciones de las iglesias ya no busca evocar una visión de otro mundo, sino permitirnos recogernos en nuestros pensamientos dado los principios ideológicos de dicha doctrina religiosa

En Inglaterra se rechazaba la extravagancia del estilo barroco francés, la norma de la estética era la razón, traída de la lectura de los renacentistas que estudiaron las obras clásicas con una técnica científica, rechazando los vuelos de fantasía del barroco cuyo fin era producir una impresión abrumadora. Como ejemplo de esto vemos como se plantea un modelo de paisaje-jardín ingles en contraposición a los paisaje absurdos y artificiosos de Versalles.

El gusto definido por la hostilidad hacia el lujo y las imágenes fantasiosas y grandilocuentes impregno de severidad a la tradición artística inglesa. Es así que vemos como el pintor Hogarth parte de la premisa de que para que el arte surja realmente efecto en el puritano inglés, esta debe tener una utilidad, llevándolo a crear así una serie de pinturas que sirven a modo de lección moral (cosa que era por demás común en la edad media pese a que este creía que era una innovación de su parte) creando imágenes que mediante la utilización de variopintos personajes pueden ser leídas a modo de sermón.

A su vez Rynols un pintor un par de generaciones posteriores a Hogarth, con mayor éxito entre los amantes del arte de su época, junto con Hogarth adherían en la idea de que el buen gusto por el arte puede ser enseñado si se facilitan los recursos a los estudiantes.

A esta conclusión llega Reynols derivando de la antigua discusión sobre el rol del pintor y su lucha contra el esnobismo social que los posicionaba por debajo de poetas o pensadores dado que su trabajo era manual y no intelectual.  Sobre lo que Gombrich elocuentemente comenta: "Sabemos cómo tuvieron que insistir los artistas en que la verdadera tarea no consistía en el manejo del pincel sino en la labor de la inteligencia, y que ellos no eran menos inadecuados que los poetas o los eruditos para ser recibidos entre las personas de calidad. Estas discusiones llevaron a los artistas a aumentar la importancia de la creación poética en el arte y a recalcar los temas elevados que les preocupaban."

Es así como el arte ingles no se utilizó para aumentar el prestigio de sus reyes por derecho divino, sino que era hijos del gobierno de la razón, siendo en el siglo XVIII el arte y el gusto ingles admirados en toda Europa al igual que sus instituciones, dejando atrás el arte fantástico de la aristocracia francesa, pasando este de moda.

CAP 24 LA RUPTURA DE LA TRADICION

La revolución francesa rompe con concepciones de larga procedencia, entre ellas la cuestión del estilo entendido como la mejor manera de hacer las cosas en determinado periodo mediante la obtención de la belleza para pasar a la concepción de estilos que conviven entre sí en un mismo periodo.

En la era de la razón vemos como el barroco y el rococó pasan a formar parte del pasado, de la era de los reyes y duques siendo el neoclasicismo el nuevo modelo formado por la aplicación de principios y normas para lograr la belleza, siendo esta el arte de los que se consideraban ciudadanos libres de una nueva Atenas ilustrada.

En contraposición a la propagación del neoclasicismo con la llegada de Napoleón demarcándose este como el estilo del imperio, el gótico resurgió por aquellos que dudaban de la razón y buscaban una retrotracción a una época de fe.

En esta época comenzamos a ver que el arte pasa a ser enseñado en academias cayendo en desuso las antiguas metodologías de enseñanza de colaboración y tutelas entre viejos y nuevos pintores. En este periodo vemos como dichas academias crearon exposiciones para propagar y difundir el arte de sus estudiantes, viéndose estos tentados a crear obras con temas melodramáticos y colores estridentes para llamar la atención del publico generando una grieta entre estos y algunos artistas genuinos que que desdeñaban el arte oficial de las academias.

Es así que se generó en ambos lados la búsqueda de nuevos temas, sintiéndose una mayor libertad luego de la Rev. Francesa pasando de los antiguos temas religiosos y de arte profano a escenas shakesperianas o sucesos momentáneos, además de hechos históricos. A su vez estos artistas consideraban a su propio tiempo como heroico y digno de retratar, como es el caso del retrato de la muerte de Marat, retratado este un mártir de su causa, pese a las condiciones un tanto absurdas de su muerte.

Es en esta época también que encontramos al pintor español Goya, que pese a sus temáticas diferenciadas de las tratadas en periodos anteriores no rechaza las influencias clásicas, tomando elementos de pintores que van desde Tiziano a su coterráneo El Greco.